《簪花仕女图》 杨飞云

《做得要正 看得要远》 杨飞云

《宋庆龄》 杨飞云

《圣洁的爱》 杨飞云

　　“审美上能激发画意，有东方味道和特点的模特，是我最愿意去画的。”

　　“画画要顺着你的天性。米开朗基罗是力量型，拉斐尔是优雅型。如果不顺应天性，一种力量型的画让拉斐尔去画，画出来也没水平！”

　　“所有的创新都是要在前人高度上进行。艺术上的创新当然也一样，不是您自己脑子一热鼓捣鼓捣新玩意儿就是创新，新要有水平……”

　　近日，中国艺术研究院中国油画院院长杨飞云先生在百忙中接受专访，就艺术与生活的融通、当下艺术圈最打脸的话、艺术如何创新等话题畅所欲言，句句中的，引得一片叫好声——

　　审美上能激发画意，更喜欢画有东方味道的模特

　　“审美上能激发画意，有东方味道和特点的模特，是我最愿意去画的。选模特是一种感觉，模特的脸上带着画意，而作品里又透着艺术家的个人理想和审美价值。”

杨飞云介绍，他的个人审美，和他从小的生活环境密切联系。他从小在内蒙古农村长大，对中原文化有特别深厚的感情。因为性格比较含蓄，所以在相对安静的情况下能体会得更加深入。

“另外近十几年，我也画了很多北方老人，我画的不是他们的苦涩，我想强调的是人的尊严。农村是中华文化价值观保存最完整的地方，很多老人未必识字，但他们奉行的理念，做人的原则就是孔子儒家的、老子道家的或佛家最基本的理念。”

杨飞云介绍，他的画看起来非常写实，而他的愿望并不是要表现真实本身，而是去传达人物背后的精神和人物带给他的感动。

　　“读图时代”照着图片画，绘画已经与艺术偏离太多

　　关于怎样看待如今盛行的“读图时代”，以及画油画人物时会不会采用拍照创作的方法时，杨飞云说：“不会，我一拍照就不会画画了。”

　　读图时代，任何一个人都可以拿起手机来随手拍，可以泛滥到把整个世界充满。但是一些图片恰恰又有非常高级的审美，比如说世界级的摄影大师的作品，读图时代很容易把二者混淆。

　　杨飞云介绍，西方绘画在这个事情上大概19世纪就非常清楚，高尔基说过一句话，“一个艺术家从生活里面提炼观察，然后寻找、把握、提炼出一种典型动作、典型形象、典型环境，他创作出来的艺术和一个照相机百分之一秒、千分之一秒拍出来的瞬间是无法同日而语的。”

所以摄影没有问题，但只是一个辅助工具。纵观西方绘画，如果一个搞写实的画家把照片和古典绘画的审美区分不开的话，就不可能有成就。文艺复兴以来的所有古典绘画，没有一张是照片能取代的。

照片是机器所为，而绘画要把艺术形象一笔一笔，通过情感审美、思想或者是控制力表达出来，它对色彩、形状、神态、整体构成都有极为严格的要求。

拍照片则大不同，它所记录的是一瞬间的图像，不管拍得多高清多漂亮，它的颜色与现实中的色彩是有差别的。因为人感觉到的大自然的颜色，会跟相机捕捉到的瞬间不同。

“我看很多人非常可惜，被照片捆住了。尤其是一些年轻人，没学会画画，照着图片很容易画了一些，画久了以后，他的绘画已经和艺术偏离太多。”

　　杨飞云认为，对于在油画院学习的同学，照片最多是一个辅助参考。比如说有一些场面和动作是没办法记录下来的，照片可以提供辅助性参考。

但是拿一张照片画成一张画，一眼就能识别出来。即使画的笔触很大，也只能是图片的透视和动态。现在由于人们对绘画的认识比较局限，所以常出现一些审美的笑话。

其实，行家都知道，如果有人夸一个画家说，你画得太好了，跟照片似的，这种话一说，比骂这个画家还要厉害。现在的手机一分钟可以拍很多张照片，而一个画家付出了很多劳动，画得跟照片一样，其实你比相机还可怜。这对画画的艺术家来说，是致命缺陷。

　　在巨人肩膀上往高处走，才能实现艺术上的新

　　谈到当下艺术如何创新这一话题，杨飞云这样回答：科学的创新，爱因斯坦要在牛顿的基础上创新，霍金要在爱因斯坦的基础上创新，文艺复兴的创新是在古希腊罗马的基础上，所有的创新都是要在前人的高度上进行。

艺术上的创新当然也一样，不是谁自己脑子一热鼓捣鼓捣新玩意儿就是创新，新要有水平。在中国讲究一流二流三流末流，我们知道齐白石和梵高或者和毕加索画得非常不一样，那是完全不同的文化。

但他们在同一个时代，同属一流的艺术大师。有水平才是新，离开水平的新那叫胡闹。在巨人的肩膀上，或者在前人的水平上、发现的台阶上，再往高处走才是创新。

　　他说，还有一种新，是有的人弄点新材料就叫新，那只不过是材料上的新，但是艺术并不是弄点新材料就行了。比如说油画，文艺复兴发现了透视解剖，用在绘画里面。

其实那并不是创新，宇宙当中就有解剖结构，人以前不重视这个，等到把这个规律掌握了以后，文艺复兴时人们的素描一下子就提高了。到了19世纪，印象派出现是色彩上的发现，其实就是把科学原理用在绘画里面。

　　真正艺术上的新，不是这样。比如：齐白石每天画的画和他前一张不一样，不能重复，别人也不能重复他，也重复不了他。这个就叫新，这才是艺术上的新。

　　经典永不过时，以大师为师 以经典为师

　　“画画第一要顺着你的天性。米开朗基罗是力量型，拉斐尔是优雅型。如果不顺应天性，一种力量型的画让拉斐尔去画，画出来也没水平。

第二要理解绘画的原理。无论东方西方，凡是好画家原理都掌握得很好。就像苏东坡说的‘出新意于法度之中，寄妙理于豪放之外’。你可以出新，但是要有个法度。达芬奇去解剖、研究透视，他们都做了很深的功课，当他知道了这个原理以后，画画使用这个原理就非常有表现力。

第三，以大师为师，以经典为师。不管多古老，是希腊的也好，是文艺复兴的也好，它没有过时这一说，它是人类的高度。第四就是以自然为师。古人说行万里路就是在大自然里面观察体验。破万卷书也很重要，向古今中外的大师学习。

还有眼中之竹，要变成心中之竹，最后要上升到手中之竹。这是个提炼转化的过程。不看经典、不懂经典，说创新基本不够层次。试想我们待在北京的宋庄，一天到晚想成为美国纽约的前卫艺术家，这怎么可能呢？思维和环境都跟不上就想着弄出一个奇迹，那就是传说中的天方夜谭。”杨飞云坦言。

　　杨飞云说，他很看重培养学生在这些方面的素质。在油画院的学生，一年有两次下乡，大量地去画写生。油画院鼓励画得好的学生出国去看大师经典作品。国内有展览，就马上通知大家去看，看完回来会有交流座谈。

　　当下绘画和生活脱节，是因为人们把它越弄越学术

　　“我们这个社会慢慢地把艺术和生活和人脱节开来了。如今很多人站在画家面前先来一句，‘哎，我不懂画，我是外行。’要不然就问你这个画到底怎么看。

其实看画就像看电影或听音乐，你让一个理论家讲这个音乐表达了什么，我觉得会被误导。”说起当下绘画和生活的关系，杨飞云认为，当今绘画和生活的脱节，是因为人们把这个东西越弄越学术了。

他说：“卢浮宫一天接待多少人？那里专业的画家很少，进去看的普通人很多，人们就是进去体会。有些人就会慢慢上瘾，慢慢看懂、最后就看进去了。

我们接触这个世界最大的领悟其实就是观看，我们一睁眼看到的这个世界给我们的所有信息和感觉，是我们判断、理解、认识或者是表达的一切的源头。

所以对于普通的人、未必是从事艺术行业的人来说，就是要多观察、多看。现在生活的艺术应该说在审美上、视觉上几乎无处不在。关键点就是要对美有追求。美不是个性的，这个世界万物个性太丰富了，丰富到我们接纳不过来。你能把你感受到那个美做到极致，那便是独一无二。”